Le sottoculture musicali della storia

Le sottoculture musicali hanno da sempre rappresentato un fenomeno sociale complesso, un riflesso delle trasformazioni sociali e culturali che caratterizzano le diverse epoche. 

Dagli anni ’20 del secolo scorso fino ai giorni nostri, ogni generazione ha trovato nella musica un mezzo di espressione e di identità collettiva, capace di dar vita a movimenti che, partendo dai margini, hanno influenzato profondamente la società. 

La scoperta di queste culture e comunità permette di comprendere non solo l’evoluzione dei generi musicali, ma anche il modo in cui i giovani hanno usato la musica per sfidare le norme, esprimere dissenso e creare nuove comunità. 

L’inizio delle sottoculture: Flappers, swing kids e hipsters

Le Flappers dei “roaring 20s”

Quella delle Flappers è la generazione di donne degli anni venti del mondo anglosassone, che si caratterizzavano per l’eccessivo trucco, il consumo di alcolici e tabacco come gli uomini, ma soprattutto per la disinvolturà e libertà. 

La cultura Flapper ebbe origine nel periodo liberale di quelli che sono passati alla storia come “i ruggenti anni 20”, caratterizzati da turbolenza politico-sociale e da un grande scambio culturale tra l’Europa appena uscita dalla grande guerra e gli Stati Uniti nei propri anni d’oro.

Il termine Flapper ha origine come slang per descrivere una ragazza da poco diventata una donna, volendo far riferimento all’uccellino che sbatte le ali mentre sta imparando a volare.

La parola appare in stampa nel Regno Unito fin dal 1903, ma è nel 1908 in cui il “The Times” gli diede una specifica definizione: “Una flapper, possiamo dire, è una giovane donna che ancora non ha imparato a portare le gonne lunghe né l’abitudine di farsi lasciar crescere i capelli”. 

Le flapper furono infatti le prime a mostrare le caviglie in pubblico indossando abiti e gonne più corti e furono anche le prime a tagliare i capelli a caschetto. 

Ascoltavano musica jazz e danzavano da sole il charleston, il nuovo ballo icona degli anni 1920 che, non a caso, fu il primo che si poteva danzare in solitaria. Queste giovani donne generalmente ostentavano comunque il proprio disprezzo per il comportamento “da brava ragazza beneducata”. 

Un’icona riconosciuta come Flapper è stata poi Betty Boop, il personaggio animato, creata dai fratelli Fleischer nel 1930.

Gli swing kids, la sottocultura dei giovani tedeschi

Traduzione diretta dello “Swing-Jugend”, gli swing kids erano i giovani appassionati di jazz e swing presente nella Germania degli anni 1930.

Si trattava principalmente di giovani studenti di scuole superiori di entrambi i sessi tra i 14 ed i 18 anni, ma vi partecipavano anche degli operai apprendisti.

Gli swing kids si ispiravano allo stile di vita britannico e americano, nello specifico nella musica swing, ed erano la risposta all’ideologia nazista, specialmente alla Gioventù hitleriana.

La musica jazz era infatti considerata offensiva per l’ideologia nazista perché appartenente ai musicisti neri e suonata anche da diversi ebrei; rendendo gli swing kids una controcultura a tutti gli effetti.

Il loro comportamento, descritto da molti nazisti come “effeminato”, andava contro il militarismo del regime, che veniva continuamente inculcato nei giovani: gli swing kids avevano capelli lunghi, cappelli, portavano ombrelli e si incontrava nei caffè e nei club.

Organizzavano festival e gare di danza ed invitavano orchestrine jazz. Questi eventi erano occasioni per parodiare i nazisti, i militari e la Hitlerjugend, da qui il famoso “Swing heil!”, che parodizzava il simile saluto nazista.

Gli hipsters degli anni 40

Con “hipster” si intendono gli appartenenti a un fenomeno diffuso negli anni quaranta negli Stati Uniti. Si trattava di giovani bianchi della classe media appassionati di jazz, in particolare di bebop, che emulavano lo stile di vita dei jazzisti afroamericani.

L’etimologia del termine è discussa. Si fa risalire a hop, un termine gergale per oppio, oppure alla parola wolof hip, che significa vedere o hipi, che significa aprire gli occhi.

In origine, i jazzisti utilizzavano hep come termine generico per descrivere gli appassionati di jazz. Essi e i loro fan venivano definiti hepcats. Alla fine degli anni trenta, con la nascita dello swing, hip sostituì il termine hep.

Attorno al 1940, fu coniata la parola hipster, che sostituì il termine hepcat e indicava gli appassionati di bebop e jazz, che desideravano distinguersi dai fan dello swing.

La sottocultura hipster si ampliò rapidamente, assumendo nuove forme dopo la seconda guerra mondiale, quando al movimento si associò una fiorente scena letteraria. 

Fu Norman Mailer a dare una definizione precisa del movimento nel 1967, descrivendo gli hipster come esistenzialisti, annientati dalla minaccia della guerra atomica o strangolati dal conformismo sociale, che decidevano di “divorziare dalla società, vivere senza radici e intraprendere un misterioso viaggio negli eversivi imperativi dell’Io”.

La ripresa degli anni 50

Rockabilly: il precursore del rock

Il rockabilly è un genere musicale sviluppatosi nei primi anni cinquanta. È una fusione tra bluegrass, country, boogie woogie e jazz, originaria del sud degli Stati Uniti d’America.

Gli amanti del genere sono conosciuti come rockabillies, o billys. Si contraddistinguono anche per l’abbigliamento che riflette lo stile dei musicisti degli anni cinquanta: cappotti col collo alzato, scarpe “brothel creeper” tipiche del periodo, jeans Levi’s e giacche da moto.

I rockabilly avevano molti elementi in comune con altri movimenti dell’epoca come i Greasers, i Teddy Boys e i Rockers. Tutti avevano una passione per le classiche automobili statunitensi, le motociclette inglesi e il rock and roll.

In poche parole, il rockabilly era lo stile musicale dei “cattivi ragazzi” che non avevano più voglia di rispettare le regole della società. 

Le ragazze di questo genere musicale vengono chiamate “bellas”, l’opposto di quelle che erano le “pin-up”. Queste ultime hanno un aspetto candido al contrario delle bellas, cattive ragazze che avevano intenzione di sconvolgere la società.

La Beat Generation

La Beat Generation, anche chiamata dei “beatnik”, fu un movimento giovanile sviluppatosi dal secondo dopoguerra e principalmente negli anni cinquanta negli Stati Uniti.

Il movimento nasce da un gruppo di scrittori americani, venuti alla ribalta nel 1950, come anche i fenomeni culturali da esso ispirati. 

Gli elementi centrali della cultura “Beat” sono il rifiuto di norme imposte, le innovazioni nello stile, l’interesse per le religioni orientali e un rifiuto del materialismo e delle rappresentazioni esplicite e crude della condizione umana.

Nella Beat Generation affondano infatti le radici, successivi movimenti culturali come gli hippy e i gruppi di opposizione alla guerra del Vietnam.

La Beat Generation, esempio della ribellione giovanile degli anni cinquanta, come la «gioventù bruciata», è stata costituita da individui ostentatamente ribelli, asociali, anticonformisti, oscillanti fra l’esistenzialismo e lo zenismo.

Le controculture pilastro: Hippy e Punk

Gli anni ‘60 e ‘70 sono da molti identificati come il momento apice delle controculture giovanili, unendo musica, arte e politica in comunità uniche che ancora oggi sono viste come i pilastri delle sottoculture.

Gli hippies, nati negli anni ‘60 negli stati uniti, erano la risposta ad una società che ogni giorno di più valorizzava la violenza della guerra e la conformità alla massa.

In risposta, gli hippy abbandonavano le loro posizioni, spesso agevoli, nella società per creare comunità basate sul pacifismo e sulla solidarietà, diventando di propria volontà dei “vagabondi”.

Allo stesso modo, in meno di una decina di anni, nel regno unito nasce il fortissimo movimento Punk, musicale ma soprattutto politico, che respingeva la conformità e l’individualismo della società consumistica.

I Punk erano caratterizzati da forti opinioni politiche, idee anti-capitaliste e anti-consumistiche e abbracciavano invece il famoso “do-it-yourself”, la personalizzazione dell’abbigliamento e soprattutto la musica sregolata e rumorosa.

Se però gli hippy tenevano un comportamento di protesta pacifica e distacco dalla società, i punk credevano nell’azione diretta e nella costruzione di una comunità attiva socialmente e politicamente.

I figli dei fiori degli anni ‘60

La cultura hippy o hippie, anche nota con il termine “figli dei fiori”, è un movimento di controcultura giovanile nato negli Stati Uniti durante gli anni Sessanta, presto diffuso in Europa e in altri paesi del mondo.

Gli hippy, insieme alla Nuova Sinistra e al Movimento statunitense per i diritti civili, sono considerati i tre gruppi di dissenso della cultura alternativa degli anni sessanta.

Questo movimento aveva ereditato i valori sottoculturali della Beat Generation, creando una controcultura con proprie comunità che ascoltavano rock psichedelico, indossavano fantasie e colori vivi e si radunavano a festival musicali.

Originariamente il movimento hippy era composto per la maggior parte da adolescenti e giovani adulti bianchi, di età compresa tra i 15 e i 25 anni, che avevano ereditato una tradizione di dissenso dai primi bohémien e dai beatniks. 

Gli Hippy respingevano le istituzioni, criticavano i valori della classe media, erano contrari alle armi nucleari e alla Guerra del Vietnam; abbracciavano aspetti della filosofia orientale, erano spesso vegetariani ed ambientalisti e creavano comunità unite. 

Utilizzavano arti alternative, il teatro di strada, la musica popolare, e le sonorità psichedeliche come parte del loro stile di vita e come modo di esprimersi, sia emotivamente che politicamente.

Un importante aspetto del movimento hippie era la vita comunitaria, libera, semplice, di ritorno alla natura. Molti erano artisti e musicisti, ma si praticavano anche attività artigianali e di coltivazione. 

Gli hippy erano attratti da forme di pensiero non convenzionali come ecologismo, esoterismo, religioni orientali e culture etniche; cercarono di liberarsi dalle restrizioni della società. 

Così come il movimento beat che lo precedette e quello punk che venne subito dopo, i simboli e l’iconografia hippy mostravano un basso status sociale, con ideali di povertà e semplicità, con un vestiario che rifletteva uno stile di vita disordinato e spesso vagabondo.

Come nel caso di altri movimenti controculturali, il comportamento degli hippie era una sfida alle differenze di sesso del loro tempo: sia gli uomini che le donne hippie portavano i jeans e i capelli lunghi, ed entrambi portavano sandali o andavano scalzi. 

Gran parte dei vestiti era autoprodotta, per contrastare la cultura delle aziende, e gli hippie spesso acquistavano i propri abiti nei mercatini delle pulci o dell’usato.

Uno degli elementi unici e caratteristici della cultura hippy era il viaggio: in un movimento comunitario viaggiare divenne un modo per estendere il concetto di amicizia.

Scuolabus simili al Ken Kesey’s Furthur, o all’iconico VW, divennero popolari perché gruppi di amici ci potevano viaggiare economicamente. 

Il VW bus divenne noto come un simbolo hippy, e molti di questi autobus furono ridipinti con grafiche psichedeliche e personalizzati.

Le ribellioni punk anni ‘70

Punk è un termine inglese, che significa di scarsa qualità, da due soldi, nato per identificare una sottocultura giovanile emersa negli Stati Uniti e nel Regno Unito a metà degli anni settanta.

Il termine nacque dalla musica punk, o meglio punk rock, nata a metà anni settanta tra Stati Uniti e Gran Bretagna con gruppi come i Ramones e i Sex Pistols, portata avanti negli anni fino a oggi con le relative evoluzioni.

Il termine “punk rock” nacque verso la metà anni settanta: tra i primi a essere definiti in tal modo saranno i Ramones, nati nel 1974. 

Come molti altri gruppi della corrente, i Ramones incorporavano elementi tratti dal “garage rock” e più generalmente dal rock & roll, uniti a sonorità grezze, distorte e prive di tecnica strumentale. 

Questa ondata, riconosciuta come la prima ondata di punk rock, verrà identificata come Punk 77, ovvero l’ondata di gruppi punk rock, sviluppati verso la seconda metà degli anni settanta.

Il punk musicalmente nacque quasi parallelamente nel Regno Unito, in cui arrivò prima l’estetica e più tardi l’ideologia vera e propria.

Nel 1975 esordirono i Sex Pistols, con concerti attorno a Londra e introducendo testi, elementi e atteggiamenti scandalosi per i loro tempi. 

Avevano modi rudi, orgogliosi di rivendicare la propria appartenenza alla classe lavoratrice; il pubblico era inoltre famoso per l’attitudine violenta, spesso durante i concerti si creavano risse tra gruppi di spettatori, facendo sospendere o terminare in anticipo i concerti. 

Nacque inoltre il “pogo”, un particolare ballo che si basa su salti e spintoni, e che fu successivamente imitato o anche esplicitamente copiato da numerose altre sottoculture, primi di tutti i metallari.

I Sex Pistols, scandalizzando l’Inghilterra e il mondo, cambiarono radicalmente l’immagine del punk. 

Se prima il genere rappresentava semplicemente una musica più grezza e leggermente provocatoria, ma non più di altri gruppi rock & roll, dopo il loro passaggio divenne sinonimo di nichilismo, ribellione e disordine. 

Alla base del Punk eppure, stava un’idea molto vicina a quelle hippie, ovvero il rifiuto di una società basata sul consumismo e la conformità.

Così come i predecessori, i punk divennero famosi per la personalizzazione e creazione dei propri abiti: le catene, le toppe grezze, le borchie attaccate a mano. L’idea era di distaccarsi dalle corporazioni e dalla produzione di massa.

Allo stesso modo, seppur inizialmente visti come teppisti, negli anni a venire i punk guadagnarono la fama di comunità solidale, il quale sentimento anti-conformista univa i giovani nell’aiutarsi a vicenda, in quanto membri della stessa comunità.

I figli del punk: metal, goth e la scena alternativa

La popolarità della controcultura punk degli anni ‘70 creò una slavina di sottoculture negli anni successivi, cambiando completamente la storia della scena alternativa dagli anni ‘80 fino ad oggi.

La sottocultura dei metallari

Considerevolmente quella che ha resistito di più nel tempo, il metal è la principale controcultura basata sulla musica, nata in seguito alla popolarità del punk.

Diversamente dalla base politica del punk però, il metal nasce dal desiderio dei giovani di aggregazione basata esclusivamente sulla musica.

Non a caso, il metal è considerato uno dei generi musicali più vasti al mondo, con innumerevoli sottogeneri e discussioni a non finire di “cosa sia metal e cosa no”.

La musica metal, derivata dall’hard rock, che a sua volta nasce dal rock&roll anni ‘50, si sviluppa in gran parte nel Regno Unito e negli Stati Uniti. Gli artisti appartenenti al genere metal avevano uno stile contraddistinto da distorsioni di chitarra, assoli e ritmi duri e forti.

Elemento essenziale della musica metal, specialmente quella dal vivo, era l’alto volume, su cui il chitarrista Ted Nugent affermò: “Se la musica è troppo alta, sei troppo vecchio”.

Prendendo in prestito dai predecessori, il metal fu il genere musicale che fondò più festival al mondo; di cui molti ancora a oggi piuttosto popolari. 

Concerti e festival metal raccolgono da decenni migliaia di persone: il concerto a cui assiste più gente al mondo fu il Monsters of Rock a Mosca, in cui nel 1991 si riunirono più di 1 milione e mezzo di persone, per gli iconici artisti Pantera, AC/DC e, soprattutto, i Metallica.

Il Goth: le sottoculture letterarie

Il goth, contrazione di gothic, dall’inglese, gotico, è un insieme di sottoculture diverse per look e stili, ma accomunate a tratti nella musica, nell’estetica e, unicamente da altre culture, nella letteratura.

Il termine Goth, deriva infatti dal romanzo gotico della fine del 18esimo secolo. Genere fondato da Horace Walpole nel 1764 con la pubblicazione de Il castello di Otranto, fu responsabile delle connotazioni più moderne del termine gotico. 

Altra icona della sottocultura Goth è Mary Shelley, a soli 18 anni scrittrice di quello che viene considerato il primo romanzo gotico di fantascienza: Frankenstein.

Da quel momento in poi, il termine venne associato all’orrore, alla morbosità, all’oscuro e al soprannaturale. La letteratura gotica stabilì infatti la maggior parte dell’iconografia che sarebbe stata in seguito utilizzata nel cinema e nella letteratura horror.

Da questi elementi deriva infatti l’estetica gotica: colori scuri, nei vestiti, nei capelli e nel trucco; abiti studiati in ogni sottocultura, dal gotico romantico al “cyber goth”.

La musica goth non è rumorosa e sregolata, ma bassa, drammatica e spesso poetica come la letteratura di riferimento. Non la si balla in modo aggressivo, ma non si seguono di certo le convenzioni: la musica goth viene ballata a sentimento, in modo fluido.

I sottogeneri del Goth

Il goth-punk, cosiddetto movimento ‘‘goth old school’’, nasce alla fine degli anni Settanta nel Regno Unito, in cui erano presenti gruppi musicali post-punk che, insieme all’apertura del locale Batcave a Soho, nel luglio del 1982, creò i presupposti per la nascita di un movimento sociale derivante dal punk.

Con l’avvento degli anni novanta cominciano ad avere visibilità invece le cosiddette ‘‘heavenly voices’’: artisti, gruppi e progetti musicali caratterizzati dalla presenza di soavi voci femminili accompagnate da tastiere che creano atmosfere dell’immaginario gotico. 

Un tipo di musica quindi strettamente correlato alle caratteristiche della letteratura gotica. A livello musicale la musica è molto differente da quella dei movimenti precedenti, in questo caso non è basata su basi ritmiche, ma sull’atmosfera.

A livello estetico questo movimento socio-musicale si differenzia molto dai precedenti, in quanto viene utilizzata un’estetica più elegante e raffinata, la cosiddetta moda ‘‘gothic vittoriana’’, ispirata all’epoca ottocentesca.

Mentre lo stile romantic goth è improntato sulla storicità della moda, lo stile cybergoth ha come tema principale, oltre a quello goth, quello della modernità, del futurismo e della tecnologia, derivato dallo stile letterario Cyberpunk.

La nascita della musica e dello stile cybergoth è influenzato dal Synth pop, e dalla musica EBM, ma anche dall’Industrial rock e dalla musica Techno.

Gli anni ‘90 e la musica “di strada”

Dagli anni ‘70 ai ‘90: la musica hip hop

Sebbene la musica hip hop sia nata negli anni ‘70, non venne mai registrata discograficamente né diffusa nelle radio o in televisione fino al 1979, soprattutto a causa dell’emarginazione sociale che circondava gli artisti rap.

Essa raggiunse infatti la fama che la renderà poi uno dei generi più popolari al mondo durante gli anni ‘90.

L’hip hop, sia come genere musicale che come cultura, si è formato durante la prima metà degli anni settanta, quando le feste casalinghe prima e i block party dopo, diventarono popolari a New York, in particolare tra i giovani afro-americani e latinoamericani del Bronx e di Harlem.

Il concetto culturale di hip hop si differenzia da quello più specifico di musica hip hop, in quanto è definito da quattro elementi stilistici caratteristici: MCing/rapping, DJing/scratching con giradischi, break dance e graffitismo.

Elemento importante, ma non univoco, della cultura hip hop è il rap: praticato in precedenza in forma rudimentale, da quando è diventato una delle discipline fatte proprie dall’hip hop si è sviluppato enormemente. 

Altri elementi di questo stile musicale includono il campionamento di beat o le linee di basso dei dischi e beatboxing ritmico. Sebbene spesso usato per riferirsi esclusivamente al rapping, il termine hip hop denota in modo più appropriato la pratica dell’intera sottocultura.

La canzone Rapper’s Delight del gruppo The Sugarhill Gang è comunemente considerata come la prima registrazione hip hop a ottenere una popolarità diffusa nel mainstream.

La popolarità della musica hip hop è proseguita ulteriormente, fino alla prima metà degli anni duemila, con influenze hip hop sempre più diffuse nella musica commerciale.

Il grunge: simbolo degli anni ‘90

Nata negli anni ‘80 nello stato di Washington, la musica e la cultura grunge sono giunte al successo mondiale nei primi anni ‘90.

Il termine grunge deriva dall’aggettivo grungy, espressione gergale in voga dagli anni Sessanta ad indicare qualcosa di sporco e sudicio. 

Fu Mark Arm, poi cantante di Green River e Mudhoney, a introdurlo nella scena musicale del luogo: nel 1981 scrisse una lettera al magazine locale Desperate Times, descrivendo il proprio gruppo, Mr. Epp And The Calculations, come “Pure grunge!”.

Dal punto di vista strettamente musicale, pur nella varietà dei generi e degli stili, con grunge si intende una contaminazione tra hard rock e punk rock nonché il ritorno alla formazione chitarra-basso-batteria e alle sonorità degli anni Sessanta e Settanta.

Pur variando i vissuti personali e le tematiche affrontate nei testi, il grunge indaga per lo più disagi personali o sociali, dando sfogo a rabbia, disincanto, talvolta sarcasmo e autocommiserazione.

La generazione nata negli anni Sessanta, cresciuta in contesti di disoccupazione, dissesto familiare, crisi economica, alcolismo e droghe pesanti, mette in musica l’angoscia e il male di vivere dell’epoca.

L’epoca di maggiore successo commerciale del grunge è il triennio 1991-1994, con l’album più noto, Nevermind dei Nirvana, trainato dal singolo Smells Like Teen Spirit e relativo video in rotazione su MTV.

Con il successo commerciale delle band più famose, il termine grunge è utilizzato dai media anche per descriverne l’abbigliamento e lo stile: camicie di flanella, t-shirt sdrucite, jeans strappati o tagliati, capelli lunghi, anfibi.

Così come il punk era stato una risposta all’estetica hippy, così il grunge sembra esserlo a quella degli anni ‘80, di trucco esagerato, capelli cotonati, spandex e lurex. Le band della scena grunge si presentano senza travestimenti, scompigliati e senza cura.

Gli anni 2000: le ultime sottoculture

All’ingresso nel nuovo millennio, l’idea di sottocultura musicale inizia a sbiadire, tra una progressiva perdita di spazi per l’aggregazione per i giovani e la sanificazione commerciale della musica.

Alcuni ragazzi però non si danno per vinti, diffondendo rapidamente una sottocultura nata un paio di decenni prima e passata più in sordina rispetto ad altre: la cultura emo.

Essa deriva direttamente dall’omonimo genere musicale, da cui ha preso ispirazioni e caratteristiche, ma anche dal punk rock e da altri generi di musica alternativa.

L’origine della parola emo in sé è confusa, anche se molto probabilmente è l’abbreviazione di emotional, “emotivo”.

Questa sottocultura si è diffusa rapidamente verso l’ultimo quarto degli anni 2000 soprattutto come moda giovanile, portato alla ribalta da gruppi quali Tokio Hotel, Cinema Bizarre e dai Dari.

Il fenomeno poi ebbe un declino altrettanto rapido, già all’inizio degli anni ’10 del 2000 gli emo si sono evoluti in altre mode o subculture.

Lo stile emo è spesso associato ad un certo tipo di moda relativa all’abbigliamento skate. Attualmente, sia i ragazzi che le ragazze usano spesso jeans stretti ed aderenti, hanno una lunga frangia asimmetrica in testa e gli occhi truccati di nero.

I capelli costituiscono una base fondamentale della moda emo, in quanto è attraverso di essi che i seguaci di questa moda vogliono comunicare alle altre persone le loro emozioni, i loro pensieri o gusti personali.

Questa moda incoraggia le persone a sperimentare con la forma dei loro capelli, dal taglio fino agli accessori, così da personalizzare in modo divertente il proprio look personale.

Tuttavia, si deve tener conto che il movimento si è trasformato negli anni e che gli emo non necessariamente corrispondono a uno specifico stereotipo.

Gli “emo felici”: la cultura scene 

Emersa all’inizio degli anni 2000, la cultura scene è figlia diretta della cultura emo: capelli e vestiti dello stesso stile, gli scene kids vantano colori molto più accesi nei vestiti e nei capelli ed accessori sgargianti.

Musicalmente, la cultura scene è basata su vari sottogeneri del metal, musica elettronica e pop-punk. Un’artista solitamente associata alla cultura scene è la cantante pop-punk Avril Lavigne, dall’atteggiamento ribelle e sopra le righe.

Lo stile unico dello scene nasce in realtà come risposta all’ipermascolinità di generi come l’hardcore: si utilizzavano molti elementi come l’eyeliner, i jeans attillati, le camicie con colletto, i capelli lisci e le cinture bianche, che diventeranno poi i tratti definitivi della scena.

I membri della sottocultura iniziarono rapidamente a usare il sito MySpace. Con la crescente popolarità di MySpace, il sito web iniziò a sviluppare alcune delle prime celebrità di internet, chiamate “scene queen”.

Le sottoculture dei giovani

In sintesi, le sottoculture musicali giovanili rappresentano più di semplici preferenze musicali; incarnano identità complesse e spazi sicuri dove giovani possono esprimere liberamente. 

Esplorare e comprendere queste comunità offre uno sguardo prezioso sulle dinamiche sociali e sui cambiamenti culturali che persistono e si evolvono nel tempo.